Top 10: Los mejores planos secuencia del cine

Los mejores planos secuencia del cine en un top 10 demasiado personal.

Soy un ávido defensor del concepto narrativo en el cine. Por más que una imagen se vea hermosa y alguien pueda componer el encuadre de manera perfecta, la historia tiene que importar y la audiencia (cualquier tipo de audiencia) debería digerir ese comunicado. Es algo tan matemático que en las ocasiones en las que falla, nos cuestionamos la intención de quien está detrás de la cámara. Pero esa cámara es un recurso abierto para quien desea contarnos una historia. Es un método personal que al manipularse de forma correcta, recibimos la versión personalizada de un cuento, visto a través del enfoque de un cineasta capaz.

Ese recurso personal permite que los experimentos abunden, y a medida que las décadas pasan, los aciertos se van haciendo más frecuentes. Me gusta que haya agallas para ensayar con métodos distintos y que los cineastas y creadores de series de televisión se tomen el trabajo de construir escenas memorables y desafiantes. Pero no siempre este tipo de trabajos funcionan para algo en particular. De hecho, hay ocasiones en las que innecesariamente se usan. Esa determinación hace que este “top 10” sea sumamente personal, y que se descarten algunas propuestas obvias para algunos.

Un plano secuencia se resume en una escena que no se corta. Es un movimiento continuo y muy bien planificado de una escena que no se divide; al menos no se corta de forma obvia. El uso de efectos especiales es bienvenido siempre y cuando se necesite y se justifique. Siempre este plano secuencia o “toma continua” debería servir a la historia de alguna forma. Debería aportar a la dinámica de la película y aparecer en el momento correcto. Si la película no amerita el uso de este lujoso recurso, entonces lo descarto. Sírvanse de comentar. Acá hay plena libertad. Y si quieren mencionar alguno, no veo problema alguno. Esta es mi lista de esas secuencias sin corte que así como demuestran el talento de un director para adaptar una escena, o escenas, también cuentan una historia particular en esos minutos de armado particular. Trato de añadir un enlace de YouTube para que detallen de qué hablo. Y consideren que esto no hace referencia a un orden en particular. Ninguna es más importante que otra.

¡Disfruten!

Mención honorífica: True Detective. Temporada 1. Episodio 4. 

En lo que fue una serie slow burn en su amplia mayoría, esta secuencia de acción se siente refrescante y como un golpe seco de frenéticas decisiones. En esta secuencia, la desesperación en medio de la planificación es un tema omnipresente. Un grupo de policías realizan una redada en una casa donde trafican drogas. Al principio el control permite que todo salga bien. Pero la improvisación y la violencia llegan, y es acá cuando la escena se convierte en una caída libre. Lo que se detalle de la escena es la variación de espacios así como la falta de opciones para un hombre que peca y todavía desea ser el menos peor. No es el hito más importante de la historia de la televisión pero con esto se confirma el talento detrás de muchas propuestas de este formato.

 

10.- Touch of Evil

El origen de todo. Orson Welles desafiaba las leyes de los estudios con un ambicioso plano que consolidaba el género que siempre lo caracterizó. En él, una bomba es la introducción a la secuencia. Alguien la mete dentro de un automóvil y el mismo empieza a circular, sin que el conductor sepa que aloja un dispositivo de esa naturaleza. Un “crane shot” que demuestra la grandeza de un estudio improvisado y la visión magnífica de un director, nos lleva por una presentación completa de dos personajes que podrían mezclarse con el evento esperado y por coincidencia parece que “escapan”. En esta secuencia que todo lo originó, cada acción está cronometrada y un plan es ejecutado de forma perfecta.

9.- Rope

No es precisamente una secuencia en sí pero una película completa que se ejecuta bajo esta ley. Hitchcock realiza Rope con la condición de utilizar rieles de cinta enteros y así jugar con el ritmo de la película sin depender demasiado de la edición. Escenas larguísimas y tediosas de interpretar, y un sentido claustrofóbico que va incrementándose con el tiempo, encerrando al espectador en un juego magnífico entre villanos y sospechosos, entre inocentes y curiosos. Sus últimos 18 minutos (ver arriba) son precisamente un resumen de la loca idea de Hitchcock, ejecutada con inteligencia y un enfoque al plan. Rope es maravillosa.

8.- Children of Men

Alfonso Cuarón es el único director con más de una película en la lista y no creo que haya alguien que se lo merezca más. Children of Men es una obra maestra sobre la necesidad de supervivencia como una cualidad humana, pero también representa la oportunidad ganada para Cuarón de transformar el drama en método. En esta secuencia (no la única de la película ya que cuenta con otra con un valor igual de importante), el grupo de rebeldes van en un automóvil y la cámara va girando con improbabilidad física. En pleno movimiento, el viaje se transforma en una lucha por sobrevivir. La cámara sigue girando, buscando escapatoria y no halla enfoque positivo en ningún lado. Esta es una de las veces en las que nos preguntamos “¿Cómo demonios el director hizo esto?”

7.- Oldboy

Una secuencia que resalta por la duración y la planificación que debe haber implicado filmar algo así. Un storyboard ejecutado de principio a fin que muestra la fuerza y la rabia condensada en un solo hombre que decide enfrentarse a decenas de villanos en un pasillo cerrado y prácticamente sin salida. Esta escena, por más cliché que se considere, es un valor agregado a una historia que no necesita de planos difíciles. Es un ensayo válido y una de esas escenas que se recuerdan tan solo al recordar la película. El cuidado por el encuadre y la velocidad de la cámara son factores determinantes para que esto funcione.

6.- Boogie Nights

No elegí la opción obvia de Boogie Nights porque definitivamente se parece demasiado a otra escena de esta lista. En cambio elegí este lento descenso al infierno de un hombre por el poder de la escena, la canción que acompaña la caída de las pretensiones, y la muerte anunciada. La industria porno, la libertad sexual y un hombre que no soportó. Cuando descubre a su esposa con otro hombre por vez enésima, decide actuar. Esta secuencia acarrea suficiente agresividad en el movimiento para que entremos en el tono que el director propone. Es un aterrizaje en medio del viaje. Es un vistazo a la consciencia y a la desconsideración de una era en la que todo podía ser válido.

5.- Goodfellas

Henry Hill entrando al Copacabana con su novia. Esto suena como si fuera algo común, pero en Goodfellas de Martin Scorsese, nada puede ser como esperamos. En esta secuencia que arranca con entrega de un billete, el mafioso abre su camino en el mundo a su manera. Pagando, saludando, y siempre escondido. La cámara lo persigue mientras se escabulle. Pero no se escapa como una rata. Al contrario, Hill pasa por delante de todos usando caminos incorrectos e irregulares. Y así termina con una mesa exclusiva, en primera fila y con todo el mundo observándole, reconociendo su rol. Es una persecución frenética, y una entrada hermosa al mundo sórdido de la mafia.

4.- El secreto de sus ojos

Una fantástica persecución llevada a cabo en un escenario difícil, oscuro e implacable. En El Secreto de sus Ojos, Juan José Campanella nos transporta de forma eficaz al estadio donde se lleva a cabo un partido de fútbol y en donde detectives estiman encontrar a un sospechoso. La cámara aérea nos muestra la cancha desde arriba y sin parar nos coloca al lado del sospechoso y quiénes lo buscan. No hay patrones en la escena. Es solo caos desprendido pero bien planificado por un director (y un especialista en efectos especiales) que tiene muy claro qué quiere enfocar y cómo. La escena es frenética de principio a fin y demuestra un nivel magnífico de producción del cine argentino.

3.- Shaun of the Dead

Quizás pareciera que los planos secuencia solo aplican para películas de géneros como el drama o el suspenso pero en la épica Shaun of the Dead, los zombies y un distraído perdedor protagonizan la secuencia que confirma el talento detrás de la cámara y un guiño hermoso a lo que Romero tanto planteaba con Dawn of the Dead: la rutina y el caminar como zombies a donde vamos todos los videos. Ni siquiera cuando Shaun se resbala en sangre, se percata y ve hacia abajo. Solo sigue su camino sin darse cuenta de que se ha desatado un apocalipsis en donde vive. Solo quiere llegar a casa y superar la resaca. Y la cámara lo acompaña para presentar un personaje torpe que no tiene apariencia de sobreviviente.

2.- Kill Bill Vol. 1

Esta poco reconocida escena de Kill Bill Vol. 1 está en la lista porque representa la propuesta de espacio y volumen para lo que está a punto de venir. Tarantino desafía a la física mediante movimientos improbables en los que parece que la cámara es la cabeza de una serpiente que puede meterse en espacios amplios y pequeños. El motivo es la espera, y el director coloca a su heroína en el punto de encuentro menos esperado y ahí la deja. La cámara luego planea hasta encontrar a quien desatará el desastre y nos permite conocer el escenario hermoso de la debacle que inicia pocos minutos después.

1.- Gravity

Un logro técnico en todo su metraje, Gravity nos llevaba al solitario y vasto espacio mediante un conflicto común y casi primitivo. Sus primeros minutos no resumen cuidado alguno y rápidamente la película entra en el escalón de desastre cuando una hermosa misión espacial se ve interrumpida por un error imprevisto. Minutos de calma y de una danza bien coordinada se convierten en el principio del fin para una astronauta que se aferra con esperanza mientras la cámara navega por un abánico de amenazas que la mayoría nunca podremos experimentar, pero que sin embargo, se sienten tangibles. Ver esta secuencia en un cine Imax es un lujo que todo ser humano debería experimentar.

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